Taller Autoretrato para Grandes

Este taller tiene un costo de $500, esto incluye materiales y snack, no dejes de inscribirte al 555954 2041 o al 56986631, de 11am a 4pm en Calzada de Tlalpan 1062 bis int.1, col. Nativitas.

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ATL, fuego, tierra y viento

El Museo Nacional de Arte inaugura ATL, fuego, tierra y viento; sublime sensación, muestra de sus colecciones representativas

• Incluye aproximadamente 130 piezas de arte, litografías, reproducciones fotográficas y diversos impresos

• El recinto del INBAL presenta por primera vez una exhibición autónoma; permanecerá abierta del 11 de abril al 29 de septiembre



El Museo Nacional de Arte (Munal) fortalece su misión con la preservación, exhibición y difusión de sus colecciones representativas de producción artística en México, al tiempo que hace una revisión de sus fondos, por lo que la exposición ATL, tierra, viento y fuego; sublime sensación, cuyo discurso se encuentra fincado en el paisaje panorámico, vertiginoso, orográfico y telúrico, se organiza a partir de una selección del Fondo Atl adjudicado al recinto por el INBAL en 2007.

La muestra se nutre de una selección de 70 dibujos a lápiz y al carbón realizados por Gerardo Murillo (Dr. Atl), sustraídos de la adjudicación Atl de 147 obras sobre papel al Munal el 17 de diciembre de 2007 y procedentes de los fondos artísticos y nacionales del INBAL. ATL, fuego, tierra y viento; sublime sensación, a cargo de Víctor Rodríguez Rangel, curador del acervo del siglo XIX del Museo Nacional de Arte, cuenta con 104 piezas pertenecientes al acervo del Munal, cinco piezas de colecciones particulares y otra más del Museo de la Acuarela.

Los núcleos temáticos abordan las representaciones del telúrico nacimiento y erupción de Paricutín, ubicado en el estado de Michoacán, durante los años de 1943 al 45. La fase paisajística del Dr. Atl, en asociación con sus aficiones por la geología, la vulcanología y la expresión misma del poder de la naturaleza, que alimentaba su inquietud filosófica y mística, se manifiestan en inigualables producciones artísticas de dramática y expresiva esencia.

El seguimiento y observación del Dr. Atl, realizada día a día sobre este fenómeno que acaparó la atención mundial, está presente en ciertas piezas con acotaciones sobre el registro del desarrollo de la actividad del volcán, propias de las ciencias naturales.

Al importante conjunto pictórico de monumentales paisajes del Dr. Atl se suman producciones plásticas de Eugenio Landesio, José Ma. Velasco, Carlos Rivera, Cleofas Almanza, Joaquín Clausell, Francisco Goitia, Luis Nishizawa, Pedro Flores, Mario Almela y Jorge Obregón, que conforman una secuencia de casi un siglo y medio (1870 – 2016) que se descifra con naturalidad, entendiendo las sutiles modalidades conceptuales, estilísticas y técnicas propias de las asociaciones de los maestros con sus contextos artísticos.

La exposición de un conjunto amplio de este importante lote no había tenido lugar en el Museo Nacional de Arte como una exhibición autónoma, por lo que la producción pictórica como acento de los cuatro órdenes temáticos resulta espectacular para el visitante. Dos polos opuestos: violencia volcánica y serenidad campestre y alpestre, invitarán al público a contemplar serenos panoramas bucólicos de valles, nevados y bosques montañosos plasmados por diversos artistas mexicanos.

A la par de los señoriales lienzos y meticulosos trabajos dibujísticos de un artista patrimonial, considerado monumento histórico y artístico de México, como el Dr. Atl, se apreciarán estudios preparatorios para sus composiciones paisajistas en un ejercicio que revelará otra importante faceta de su producción.

La enérgica interpretación artística del violento nacimiento y desarrollo del Paricutín da pie a escenas “dantescas” de fuego, gases y lava. Las claves del paisaje “sublime”, son destacadas en estos panoramas y vistas que más que dantescas, amenazantes o violentas sensaciones, trasmiten al espectador las sugestivas cualidades poéticas y naturalistas no sólo del Dr. Atl, sino de exponentes como Cleofas Almanza, el último gran genio del paisajismo académico decimonónico en la línea Landesio-VelascoAlmanza; a lo que se agrega la contemporánea y fresca visión de Mario Almela.

Diez dibujos al carbón y al grafito, piezas con acotaciones puntuales, croquis y panoramas cargados de inscripciones sobre fechas y características de la manifestación volcánica y telúrica guardan un fascinante vínculo entre las anotaciones científicas de un geólogo o vulcanólogo y el inigualable acento plástico y sugestivo del Dr. Atl como paisajista nato.

A partir del monumental óleo Paisaje con volcán, de la colección Maricarmen y Jorge Ramos, se hace un correlato curatorial en este espacio con ocho dibujos, impresos y un cuerpo de fotografías. Además de la pintura La sierra del Dr. Atl y Gigantes de México de Pedro Flores.

El MUNAL en México, renueva sus salas

El MUNAL renueva sus salas

Con la exposición permanente La Academia de San Carlos. Ilustración e independencia el Museo Nacional de Arte continúa con la renovación de sus salas. A partir del 26 de septiembre en la noche de museos, el público apreciará más de 80 obras pertenecientes a la colección del museo y cuatro de colecciones privadas que recorren los siglos XVIII y XIX.

Con la curaduría de Abraham Villavicencio y Víctor Rodríguez Rangel, la muestra sigue la influencia de la Ilustración en el último periodo del arte virreinal, desde la creación de la Academia de San Carlos, hasta la influencia del movimiento independentista en el arte creado dentro el territorio nacional

Divididas en ocho núcleos y restauradas para volver a las salas de exhibición, se presentan obras como Cristóbal Colón (1858) de Manuel Vilar, Galileo en la Universidad de Padua demostrando las nuevas teorías astronómicas (1873) de Félix Parra, o el Retrato de Carlos III (1760) de Juan Patricio Morlete Ruiz.

La Academia de San Carlos. Ilustración e independencia es la continuación del proyecto de renovación de salas que inició en 2014 con Territorio ideal. José María Velasco. Perspectivas de una época y que continuó en 2016 con la muestra De la piedra el barro. Gliptoteca, escultura mexicana de los siglos XIX al XX.

Imagen: Galileo en la Universidad de Padua demostrando las nuevas teorías astronómicas (1873), Félix Parra [detalle]. 

Pintora Bianca Monroy expone en Alemania la multiculturalidad de México

Por Olga Borobio. Corresponsal

  Berlín, 15 Ago (Notimex).- Con una exposición de las obras de la pintora mexicana Bianca Monroy y la degustación de platillos mexicanos se realizó la Semana de México, en la sede internacional del consorcio alemán de la industria químico-farmacéutica Bayer, en Leverkusen.

La exposición se llevó a cabo en el marco del Año Dual, que inauguraron la canciller federal de Alemania, Angela Merkel, y el presidente de México, Enrique Peña Nieto, en abril de este año, cuando el mandatario visitó por primera vez en forma oficial el país europeo.

La exposición fue acompañada de una semana de gastronomía mexicana en esas instalaciones, en las que laboran alrededor de cinco mil personas, y en todas las que el consorcio tiene en Alemania, en las que trabajan 32 mil empleados.

Pozole, sopa de queso y cochinita pibil se contaron entre los platillos que se sirvieron en Bayer en la Semana de México, durante la que se mostraron los cuadros en Leverkusen.

Bianca Monroy, quien nació en Veracruz en 1978 de padre mexicano y madre italiana, declaró a Notimex en entrevista en Berlín que el objetivo de la exposición en Bayer en Leverkusen fue plasmar la gran diversidad cultural de México así como su bagaje interior personal.

“Quise expresar con colores y formas la esencia de México y su multiculturalidad. La exposición se dividió en tres partes. La primera fue Consonancias y Disonancias en México entre lo antiguo y lo moderno en el país”, señaló.

La segunda la constituyó “una parte de mi universo”, una serie de cuadros abstractos en los que plasmó autorretratos, y la tercera giró en torno a los íconos culturales de México como el Chac-Mol, la Fiesta del Día de Muertos, entre otros.

La obra central de la muestra en Leverkusen fue un cuadro de dos por tres metros y fue tomada por Bayer para imprimir cinco mil postales del consorcio.

“La reacción del público ha sido muy interesante. La combinación y contraste de colores les parece muy atractiva e intrigante, además de positiva”, añadió. En diversas ocasiones a lo largo de la Semana de México en Bayer los visitantes se tomaban fotos teniendo como telón de fondo sus pinturas.

La exposición se montó en el hall principal del consorcio, en Leverkusen, por donde entran y salen visitantes y empleados, y por donde se pasa para llegar al restaurante de la empresa.
La semana de gastronomía mexicana se llevó a cabo en todas las instalaciones de Bayer en Alemania, tanto oficinas como plantas de producción.

La Semana de México en Bayer en Alemania fue la tercera exposición de obras de Bianca Monroy, en el marco del Año Dual. La primera fue en Berlín, patrocinada por Lufthansa, la principal línea aérea alemana, hubo otra en la Embajada de México en Berlín.

Será además curadora de dos exposiciones de pintura que también se llevarán a cabo en el Año Dual México–Alemania en el país europeo.

Monroy está al frente de la sección Alemania de la Red de Talentos Méxicanos en el país europeo, que se extiende por toda Europa para fomentar proyectos en el área de las industrias creativas mexicanas.

La Red se inserta en el IME, que es el Instituto de los Mexicanos en el Exterior, que a su vez es un organismo desconcentrado de la Secretaría de Relaciones Exteriores.

El consorcio Bayer tiene presencia en México desde 1863 y tiene en la actualidad tres mil 150 empleados en territorio mexicano.

El consorcio apoya el Año Dual México-Alemania con actividades en el país europeo con ese tema que abarcan artes e industrias creativas, cooperación académica y científica, así como comercio e inversión.
 

NTX/I/OB/MMMM/ALEMANIA16

Fórmula de la primavera - Pável Filónov

Podemos considerar a Pável Filónov como uno de los fundadores del arte abstracto. Filónov usó varías veces la palabra "fórmula" para tilular sus obras. La noción de primavera nos trae las ideas de crecimiento, movimiento y despertar de la naturaleza.

P. Filónov. “Fórmula de la primavera”. 1920

La composición del cuadro se forma en base a "átomos pictóricos", de celulas de pintura viva, parece que al autor quisiera contemplar su obra desde el interior de la misma. Filónov exhortaba a sus alumnos a pintar con afán y precisión cada átomo de color para que se compenetrara orgánicamente con la totalidad del cuadro del mismo modo que una célula forma parte de un organismo.

Filónov llamaría a su arte "analítico" y el principio de este era que el pintor debía dedicar a su obra el máximo de sus esfuerzos, así, el maestro trabajaba sobre grandes lienzos con pinceles muy finos, empezando por un lado y pasando poco a poco hacía el opuesto. Cada pincelada era una "unidad de acción" que debía interactuar con el conjunto de forma y color de la obra.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo, actualmente se encuentra en la exposición "Vanguardia Rusa" en la Museo del Palacio de las Bellas Artes; en la Ciudad de México.

Christian Boltanski. Animitas

“Christian Boltanski. Animitas”, exhibición que reúne 23 piezas del artista francés, se presenta desde este viernes 22 de enero hasta el 5 de junio en MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.

Sus obras evocan lugares de veneración espiritual, influidas por la tradición del Día de Muertos en México. Gonzalo Ortega, curador de la muestra, comentó que es un proyecto “increíblemente bello, poético, fuerte, con una carga de contenidos espectaculares”.

LA MATANZA en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca

El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca

Invita a la presentación de la carpeta LA MATANZA Manuel Barragán Rojas, Irving Herrera y Álvaro Medina Barbosa estarán presentando la carpeta gráfica “Matanza”

La cita es en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca el viernes 23 de octubre a las 7PM para ver los 15 grabados que la carpeta contiene.

Inseparables desde su creación, los grabados de ocho jóvenes artistas y siete maestros de amplia trayectoria, hoy convergen para darle vida a una costumbre atávica, que tras dos siglos de practicarse, forma parte de la riqueza cultural huajuapeña: La matanza.

A través de la técnica del linóleo y la xilografía, estos grabados, forjados entre la magia de los sueños y la crudeza de la realidad, son dueños de un significado cultural que trasciende la tinta y el papel.
Como nunca antes se había visto en la “Tierra del Sol”, la juventud de José Silverio, Daniel Ortiz, Erick Vázquez, Aldo Sánchez, Itzamari Castro, Rafael Luna, Daniel Luis H. y Álvaro Medina, se ha unido con la maestría de Shinsaburo Takeda, Irving Herrera, Humberto Valdez, Enrique Pérez, Rigoberto Martínez, Daniel Salazar y Venancio Velasco; logrando crear la pr imera gran carpeta gráfica en torno a la matanza, cuya esencia ha encontrado su guarida en la percepción de quien las admira.

Cada grabado conserva la pureza conceptual con que fue concebida, sea desde una imagen costumbrista captada en plena faena, hasta una marcada utilización de simbolismos que rozan con lo surreal, provocando en su audiencia mil traducciones en torno a los cuernos, las pieles y el clamor de este animal que por siglos ha provisto de alimento a la raza mixteca.

La obra que da pie a la carpeta se titula “Piel como manto”, cuya imagen presenta a dos niños al lado de su madre, quien casi con ternura, acaricia la frente de un chivo de larga barba y cuernos ligeramente caídos, uno de ellos, sostenido con ímpetu por el hijo mayor, que sonríe plenamente. En tanto, detrás de la familia, se yergue una enorme figura humana que cubre o protege o revela a estos personajes el mundo mágico y crudo, natural y humano, de la matanza.

Esta obra es tan sólo la carta de presentación de un cúmulo de talento y riqueza invaluable contenida en la carpeta, de la cual se han elaborado 30 copias para su distribución p or Oaxaca y cualquier estado que desee conocer esta tradición convertida en arte.

Este logro es fruto del arduo trabajo y compromiso de los jóvenes del taller de gráfica “Juan Alcázar”, del Museo Regional de Huajuapan (MUREH), emanados y respaldados por el taller de Xilografía “Gabinete Gráfico” de la ciudad de Oaxaca representado por el artista huajuapeño Irving Herrera, y el apoyo incondicional de Manuel Barragán Rojas, presidente del patronato del MureH, y la confianza de los grabadores experimentados, quienes lograron percibir la relevancia histórica y cultural de esta obra.

Marginado de aportaciones económicas, como sucede en la mayoría de municipios oaxaqueños, este proyecto habría sido imposible sin el apoyo del presidente municipal de Huajuapan de León, Oaxaca, Luis de Guadalupe Martínez Ramírez, quien confió en lo que hace año y medio se resumía en una idea, misma que hoy se ha convertido en un trozo invaluable de arte puramente huajuapeño.

Sí, de arte, mismo que una vez más se convierte en el lenguaje común en que los jóvenes, al lado de grandes maestros como Shinsaburo Takeda, han logrado cristalizar con su visión el éxtasis de una costumbre, cuya devoción, realismo y fantasía entremezclados, encarnan la verdadera identidad de Huajuapan.

Diseño Latinoaméricano en Oaxaca

El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca INVITA AL CICLO DE DISEÑO LATINOAMERICANO Lapiztola y Said Dokins hablarán de arte urbano en el IAGO

*La charla se da como parte del Ciclo de Diseño Latinoamericano este 19 de septiembre a las 19 horas

Oaxaca, Oax.- Un disparo de gráfica urbana llegará este viernes al Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) con la participación del colectivo Lapiztola y el creador Said Dokins, en el Ciclo de Diseño Latinoamericano.

La cita para conocer un poco más del colectivo que se apropia de las calles de diferentes ciudades alrededor del mundo, es a las 19 horas en Macedonio Alcalá 507, la entrada es libre.

Lapiztola está conformado por Roberto Vega J., Rosario Mtz. y Yankel Balderas, los dos primeros de profesión diseñadores y el último arquitecto, este surgió en el 2006 cuando se generó una revuelta política y social en la ciudad de Oaxaca.

Los miembros del colectivo explican que este levantamiento dio pie para armar un movimiento de grafica social en la ciudad, donde propios y extraños aportaban obra callejera en protesta por el descontento de lo que pasaba en ese momento.

A partir de este momento comienzan a generar trabajo en relación con lo que vivían, a veces solo exponiendo lo popular y otras denunciando.

“Cuando tenemos oportunidad de trabajar en la calle queremos que la pieza que pintamos sea como un grito en la pared, manejando el arte urbano en cierto sentido como protesta, intentando hacer un diálogo visual con la sociedad, usando como soporte técnico, el esténcil y la serigrafía, creando módulos o tapices impresos para después si es posible intervenirlos y lograr así una gráfica urbana, que logre darle un carácter personal al espacio”.

El colectivo Lapiztola ha participado en La Bienal de la Habana en Cuba ("El Maíz es nuestra vida"), Universidad de Michigan ("Por la sangre derramada") y Barcelona, España (Laberinto de Miradas), entre otros lugares.

Lapiztola armará un diálogo con Said Dokins, quien orienta su trabajo a la reflexión de la sociedad con respecto a su historia, el símbolo de la muerte en relación al conflicto de poder, destrucción, supervivencia y discursos explicativos del mundo como mecanismos de control de regímenes impuestos; problemas muy antiguos que se reflejan en la situación actual.

El artista indica que en su creación cotidiana, la urbe es su principal foco de acción, pues encuentra en la calle infinidad de niveles y mecanismos de operar y relacionarse con las personas; “me valgo de diversos modos de hacer como graffiti, caligrafía, performance, instalación, intervención y videoarte”.

“El territorio urbano me ha tragado y siempre he vivido en grandes ciudades, a pesar de que conozco la calle, todo el tiempo me sorprende la cantidad de manchas y colores que veo en la ciudad, los conflictos y las penurias, la actitud defensiva de los que aquí vivimos, la multitud y la disfuncionalidad de la ciudad”, expresa Dokins.

Said Dokins vive y trabaja en la Ciudad de México, estudió Artes Visuales y Filosofía y Letras en la UNAM. Recientemente cursó el seminario, Zonas de Disturbio, dirigido por Mariana Botey y Cuauhtémoc Medina en el MUAC. Se dedica al arte en espacio público, investigación y prácticas de graffiti, performance, instalación, intervención y video arte.

Su mas reciente proyecto es la curaduría de la muestra internacional Intersticios Urbanos, llevada acabo en el Centro Cultural de España del agosto a octubre del presente año.

Su trabajo ha sido mostrado a nivel nacional e internacional destacando en 2011 la muestra de arte urbano, Urban art efx en la galería del centro de artes CBK Ámsterdam en Holanda.

Exposición en Paris, Francia

Martin Kippenberger - Esculturas 1987-1990  4 marzo hasta 6 junio 2015
 

Cahiers d'Art se complace en presentar la primera 
exposición individual en la galería Martin Kippenberger ubicada en 14 rue du
Dragon , 75006 París. La exposición consta de 10 obras es una oportunidad para
Cahiers d'Art de continuar su tradición de grandes maestros y exposiciones de
grandes artistas del siglo XX sin dejar de ser sensibles a la evidente
influencia de Pablo Picasso en el trabajo Martin Kippenberger - un guiño entre
el pasado y el presente de la historia misma de Cahiers d'Art.

Expo en el Frost Bank

Exposición en San Antonio dentro del edificio del Frost Bank.

El arte de estampar de los archivo Kyron

San Pedro Museo de Arte
Puebla, Puebla

Puebla es la primera sede de la República Mexicana que recibe en las salas de San Pedro Museo de Arte, la exposición El arte de estampar de los archivos Kyron, muestra integrada por 69 obras de 27 artistas, entre los que destacan: Rufino Tamayo, Raúl Anguiano; Leonora Carrington; Francisco Zúñiga; Francisco Toledo, entre otros.

Los Archivos Kyron son el depositario de la historia de la actividad del taller Kyron EGL, sus
fundadores son Andrew Vlady y Beatriz S. de Vlady. 

El corazón de esa actividad consiste en un ejemplar y la documentación de cada una de las 349
ediciones autográficas realizadas en Kyron EGL de 1972 a 2004. El resto de Los Archivos Kyron consta de la memoria del taller: fotografías, películas, videos, catálogos y folletos, recortes de periódicos,
bibliografía, artefactos y la más importante, la producción y administración de exposiciones y catálogos de las obras de Kyron EGL.

San Pedro Museo de Arte.

Horarios y precios

del 04 de octubre de 2014 al 10 de enero de 2015
De lunes a sábado , 10:00 - 17:00 hrs.
$25 Entrada general

Día domingo , 10:00 - 17:00 hrs.
Entrada libre

4 Norte 203 , Esquina con 2 Oriente

El arte de estampar de los archivo Kyron - Conaculta en los Estados - Conaculta

HABLEMOS DEL PATRIMONIO: Arquitectura / Paisaje / Ciudad

Foro  “HABLEMOS DEL PATRIMONIO:  Arquitectura   /  Paisaje   /  Ciudad”

Fecha: 19 y 20 de Noviembre de 2014       Horario:  09.00  a  14.30 horas        

Sede: MUSEO CASA DE LA BOLA, Tacubaya

Registrate en fundarqmx@gmail.com

 

 Más datos en:  http://fundarqmx.wix.com/foro/

Día 19 / ponencias

Inauguración del foro y exposición fotográfica.

Richard del Pirro (Urbanismo)

Licenciado en Artes y Arquitectura por la Rhode Island School of Design de EU, Maestría en Diseño Urbano por la Universidad de Harvard, Socio fundador y director general de DGL Taller de Arquitectura y Urbanismo y fundador de Instituto Mexicano de Urbanismo.

Juan Felipe Ordoñez (Urbanismo)

Arquitecto por la Universidad Nacional Autónoma de México, Maestro en Urbanismo, ha sido Coordinador de Asesores de la SEDUVI y ha participado en la realización y consenso de numerosos Planes de Desarrollo Urbano.

Antonio Toca (Urbanismo)

Arquitecto e investigador de temas urbanos y arquitectónicos. Autor de numerosos libros y artículos sobre urbanismo y arquitectura a través de su columna en la revista Obras. Forma parte del Consejo Editorial de Architectural Digest México.

Marco Antonio Esquivel López (Subprocurador de Asuntos Jurídicos de la PAOT)

Beatriz Pérez Méndez (Directora de Patrimonio Cultural Urbano, SEDUVI)

Ricardo Jaral Fernández (Coordinador Ejecutivo de Conservación de la Autoridad del Espacio Público)

María del Carmen Tostado Gutiérrez (Coordinadora Patrimonio Histórico, Artístico y Cultural de la Secretaría de Cultura)

Dolores Martínez Orralde (Directora de Arquitectura, INBA)

Día 20 / ponencias

Alicia Chacalo (Paisaje)

Bióloga de la UAM Azcapotzalco, Maestría en Manejo de Recursos Forestales por la Universidad Laval de Quebec Canadá, Doctora en Bilogía por la Facultad de Ciencias de la UNAM, Presidenta de la Asociación Mexicana de, Autora del libro Árboles y Arbustos para ciudades.

Daniel Gershenson (Arquitectura y Urbanismo)

Ciudadano participativo; fundador de Alarbo AC, asociación dedicada a la preservación de la naturaleza en las ciudades; fundador de Alconsumidor AC, asociación que busca generar una igualdad en los derechos de los ciudadanos en muy diversos ámbitos y conductor del programa de TV "La cuadratura del círculo"..

Jorge Peña  (Arquitectura)

Arquitecto por la Universidad Iberoamericana, Maestría en Restauración por la Universidad Politécnica de Madrid, Fundador de GPI, Aspirante a Doctorado con la temática de Le Corbusier.

Rogelio García Mora Pinto (Arquitectura)

Arquitecto por la Universidad Iberoamericana, Maestría en Restauración por la Universidad Autónoma de México, forma parte del Consejo Editorial de la Revista AD México.

Alejandro Leal (Arquitectura)

Arquitecto por la Universidad Nacional Autónoma de México, fue Becario por CONACULTA-FONCA en el programa Jóvenes Creadores 2002, Maestro y Doctor en Arquitectura en temas de patrimonio y restauración.

Arabella González (Arquitectura y Zonas Patrimoniales)

Arquitecta por la Universidad de Guadalajara, maestra en conservación de sitios y Monumentos, editora de publicaciones sobre patrimonio cultural. Profesora de la Escuela Superior de Arquitectura ESARQ y presidenta de la Fundación de Arquitectura Tapatía Luis Barragán.

María Bustamante Harfush (Arquitectura y Urbanismo)

Maestra en Vivienda y Urbanismo por la Architectural Association School of Architecture, Arquitecta por la Universidad Iberoamericana, Presidente de FUNDARQMX, Cronista de la Ciudad de México, Autora del libro Tacubaya en la Memoria, Restauración y Reciclaje Arquitectónico y Urbano.

ETHOS

"La comedia" un taller plástico

El Museo de la Ciudad de México, los invita a participar en el taller "La comedia", un taller plástico que reflexiona sobre las obras de Arcadi Artis, y el carbón como técnica de dibujo, alusivas al exilio Español en México. 

La cita es en el Museo de la Ciudad, Dirección: Pino Suárez 30, Col. Centro, C.P. 06010 , D.F.
a partir de las 12:30 horas.  Todo el mes de septiembre.

¡Actividad gratuita con boleto de entrada, no se lo pierdan!

Más información:  http://www.cultura.df.gob.mx/taller-la-comedia

Bienal Internacional del Cartel en México

La Bienal Internacional del Cartel en México (BICM), con una trayectoria de más de 23 años ininterrumpidos de actividades, ha logrado ser considerada entre las tres principales Bienales de diseño a nivel mundial.

La BICM está estructurada de la siguiente manera:

Cuenta con un programa permanente de exposiciones; cada dos años convoca a un concurso internacional de cartelistas; edita periódicamente catálogos y libros de diseño; realiza cada dos años su Congreso Mundial de Diseño.

 http://www.bienalcartel.org/

Programa de Residencias Artísticas MAC

El Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa (MAC) convoca, dentro del marco establecido por su Plan de Promoción y Cooperación Cultural, un proceso de selección para cubrir un total de dos residencias para el desarrollo de proyectos de investigación artística en la sede del MAC en A Coruña, Galicia, España.

En el MUNAL a partir del 2 de septiembre

La relevancia de llamarse Lygia Clark

Exposición en el MoMA artista brasileño situado en el centro del proceso de reflexión sobre las consecuencias, límites y superaciones de arte moderno y contemporáneo

MARIA Hirszman | Número 221 - julio 2014




Después de cinco años de investigación, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) inauguró el pasado mayo en una exposición antológica dedicada a la obra de Lygia Clark. Con más de 300 obras, además de un catálogo y alentó una intensa paralelo, el espectáculo de programación Lygia Clark: el abandono del arte, de 1948 a 1988, se ha presentado como una confirmación de la enorme relevancia de su trabajo. Es cierto que desde la década de 1990 el artista ha sido objeto de un interés creciente, con grandes retrospectivas y exposiciones organizadas en Europa y Brasil, acompañado de una constante apreciación del mercado, y esta es su primera exposición en territorio norteamericano. Pero el espectáculo es mucho más que una corona natural mediante una de las instituciones museísticas de mayor prestigio en el mundo. En un claro esfuerzo por reflexionar más acerca de este legado, curadores Luis Pérez-Oramas - responsables de la central de América Latina y el autor del MoMA proyecto curatorial de la 30 Bienal de São Paulo (2012) - y Connie Butler, - actualmente curador en jefe de Hammer Museum (los Ángeles) - trabajo esmiuçaram de Clark, dejando claro que el artista es un caso raro en el panorama internacional de la segunda mitad del siglo XX. Después de todo, ella se exponen desde el interior de la creación artística un cuestionamiento profundo y romper los límites de la representación estética; desestabiliza los cánones, cuestiona la noción de arte y luego se introduce una dimensión humana, lo que la sitúa en el centro del debate sobre las consecuencias, límites y superaciones del proceso de arte moderno y contemporáneo.

La exposición sigue un orden cronológico y se articula en torno a tres grandes bloques: las pinturas originales y lo abstracto; implicación con Neoconcretismo; y sensorial y relacionado con el campo de los ensayos de psicoterapia. El primer grupo consiste en los trabajos de la década de 1940, cuando Clark estudió bajo la guía de Burle Marx, y principios de 1950 - el período en el que vive en París, asistía al estudio de Fernand Léger y desarrolla un profundo vínculo con la obra de Piet Mondrian, la influencia central sobre su carrera. Sigue siendo, en palabras de Connie Butler, el "entrenamiento clásico de la herencia de la influencia europea."  

A partir de ahí aparecen varios momentos clave en su viaje, como el paso del estudio de movimiento centrífugo de las escaleras a la construcción de la forma geométrica y abstracta; participación rápido e intenso en movimientos como el grupo delantero y el Movimiento Neoconcreto; el descubrimiento de la línea orgánica, a mediados de la década de 1950, cuando la pintura se expande radicalmente más allá del límite de la trama; intenso diálogo con la arquitectura y el estudio del espacio ("lo que quiero es componer un espacio y no escribir en él", dijo); la cada vez más profundo cuestionamiento de la situación del objeto de arte, el artista y el espectador; para llegar a lo que ella define como "el estado del arte, hay arte."

Sigue este interante artículo en:  http://revistapesquisa.fapesp.br/2014/07/15/relevancia-de-lygia-clark/

Presentación

Para todos los amantes del arte y la pintura, abrimos este espacio para difundir el trabajo de artistas de todo el mundo.

Bienvenidas todas las propuestas y trabajos.


The Oil on Canvas

José María Velasco, El Citlaltépetl, óleo sobre tela, 1897 (Colección Museo Nacional de Arte)